摘要：导语：“这个时代到处都是精明的模仿和圆滑的简化，把著名艺术家搞成千篇一律的迪士尼主题公园。但你要批评吧，人们会说，让大众更走近高雅艺术有什么错呢?”近日，一则名为“无中生有、拙劣模仿，拜托别再消费梵高了好吗?”的评论文章引起了网友的关注。 在文章作者看…

　　导语：“这个时代到处都是精明的模仿和圆滑的简化，把著名艺术家搞成千篇一律的迪士尼主题公园。但你要批评吧，人们会说，让大众更走近高雅艺术有什么错呢?”近日，一则名为“无中生有、拙劣模仿，拜托别再消费梵高了好吗?”的评论文章引起了网友的关注。

　　在文章作者看来，原定于2015年梵高诞辰125周年上映但至今仍未尚未上映的世界首部油画动画长片《致梵高的爱》，成为了“赝品梵高”的又一种新形式，仅看预告片，就充满了误导。以油画为基础框架的动画长片有94幅梵高的原作，62450幅是制作者委托115位专业画家“模仿”，更是被其称为“梵高作品的模仿秀”。

　　近些年，尤其国内商业艺术圈出现一股热潮--消费艺术，梵高，是爆款。其中包括梵高、毕加索、莫奈在内的西方艺术大师展扎堆亮相，但当大众举着一百大洋到了现场，而后发现所谓的“大师展”实际展品质量低下，甚至有可能混入了赝品的真相后，他们才发现这些“野路子”的“大师展”宛如披着新衣的皇帝。

　　如今，“拜托别再消费梵高”的呼声，来了。

　　被玩儿坏了的“梵高”

　　如“拜托别再消费梵高了好吗?”一文所述，梵高的代表画作和个人经历几乎人尽皆知。但从《致梵高的爱》预告片来看，片中所呈现的剧情充满了误导。比如，有一天，梵高带来了一个明显与他不相称的女孩子，然后，就听说梵高自杀了……

　　“什么女孩?这都是哪儿跟哪儿?在梵高生命中的最后时期，他根本没有跟任何女性交往。这部动画片伪造了一个爱情故事，并让不了解情况的人们信以为真。”

　　像文章作者所说的那样，我们需要看到神话背后真实的个人。毕竟这样一部“声势浩大”的电影长片预告中写到：“试图探索梵高的精神世界与死亡之谜。”

　　当然，大众所追求的，不会仅仅只有“剧情”的真实。

　　2015年，“不朽的梵高”感映艺术大展在上海开始启动中国巡展，并于同年8月转战北京。

　　“不朽的梵高”感映艺术大展现场

　　来到上海之前，“不朽的梵高”感映大展已经造访了新加坡、土耳其、美国、智利、俄罗斯等9个国家的14座城市。通过复制品和新媒体来展示梵高作品的做法，此前曾得到荷兰梵高美术馆馆长阿克塞尔-鲁格的肯定，他说：“梵高生前就希望将自己的作品与大众分享，将他的作品以各种方式普及，让大众有机会接触到他的心愿。”

　　35分钟，3000多幅画面，梵高的一生及其杰出的创作以多媒体影像形式展现。这一颠覆传统观展理念的展览，虽然展出的不是真迹，却将采用最新的感映技术，呈现梵高一生创作的艺术作品、手稿以及书信。无疑，“不朽的梵高”展之所以吸引人们，还是在于梵高本身的吸引力。

　　“不朽的梵高”感映艺术大展现场

　　然而多媒体、高科技让“原作”活动起来，这一技术的衍生手段是否让消费者收获艺术上的观赏满足?这一点上，许多观众的意见是有分歧的。

　　有些观众在观展后表示，该展览不仅让梵高的画作更加鲜活，他的一生也轻而易举走进你的内心。持反面意见者则表示了不满与失望，甚而将感映艺术展戏称为播放带有声光电的PPT，并且指出展览宣传上的模糊概念，让人误以为该展有梵高的真迹出场。

　　“如果你是美术学院学生、专业的艺术从业者就不必去看了。真迹展和影像展明显存在区别，真迹上的笔触近在咫尺，可以感受到大师名作的气息。影像展的放大效应再精微，那也不能替代观看原作。看梵高的原作，是怀有对后印象派的艺术朝圣，如果做少儿的美术教育普及，或者带着娱乐休闲的心态去观摩映像感映展，那还可以一看。”观众吴先生强调，他认为这场感映展不值票价。

　　莫奈原作展与数字展的PK

　　2014年上海莫奈特展现场

　　这个展览，也让人记起了2014年上海的莫奈特展，同样差不多100元的票价，同样也是商业展览，而莫奈展展出的都是原作，既完成了艺术普及和教育，商业运作当然也是成功的。不过对于一些艺界人士而言，那次展览也是一次“灾难”：“拥挤不堪的展览现场，观众与原作之间的距离堪称世界最遥远的距离，整场展览最深刻的印象便是接踵摩肩之间的不悦，令人难以忘怀的是保全人员的扑克脸。”

　　不过到了2016年，名为“印象莫奈：时光映迹艺术展”也通过数字多媒体技术向公众展示，并宣称可以看完莫奈所有作品。

　　印象莫奈：时光映迹艺术展现场

　　在这样的一个数字多媒体展览中，大众是否可以真的看到莫奈的所有作品，欣赏的是数字多媒体技术还是莫奈油画作品?光影展作品和油画真迹，二者与观众之间的互动性是否对等或者可以替代，感官体验和内心感受是否一致?其票价和原作票价相差无几是否合适?媒体抛出了各种疑问。

　　印象莫奈：时光映迹艺术展现场

　　有批评家称：“我不看好这种方式，说的不客气就是对作品的不尊重。这种展览没有什么艺术价值，仅有商业价值，借用著名艺术家的作品为商业的宣传、造势，和美术馆里严肃的呈现是不一样的，这些与艺术无关。”

　　某高校艺术学院院长认为：“如果不是原作也是有意义的，让我们这个内陆城市可以看到国外艺术大师作品是一个很好的事情。但原作和非原作是两个事情，随着科技的发展，艺术品的还原性肯定更高，但也不能替代原作，特别是油画作品，高科技的仿真品和油画原作的差距是巨大的，材料、笔触之美，未必能用科技解决。所以在这种情况下他是不能等同于原作，光影展览的门票和原作展览的门票价格一样未必合适。

　　大众需要一种正确的引导，让更多的大师走进观众，观众感悟大师的作品魅力，这是一个过程。企业做这个事情是一个好事，但不能纯粹是一个商业行为，任何仿真的作品永远不可以替代原作，作为活动赞助的企业家，应该多思考大众、艺术和市场三者的关系。这既有好的一方面，也有坏的一方面，需要把握一个度。我们要明白，一件好事情需要用合理的方式让更多人参与。”

　　某青年艺术家：“这是一个成功的商业模式，一个看似高大上的吸金噱头，愚昧了大众，获益了投机分子。引进原作展才是正道，这种展示效果和开个补习班没有太大差别。架上绘画的魅力是这等高科技无法取代的，这种引导首先就贬低了绘画，展示高科技商机是真。还不如看书，到现场其实就是感受一下新视觉的刺激，很快就会被遗忘。”

　　毕加索-走进中国：“火枪手”后者被完虐

“毕加索-走进中国”展览现场

　　也是2016年，艺术爱好者因为“吐槽帝”一篇对北京某民营美术馆主办的“毕加索-走进中国”展览抽丝剥茧、掘地三尺起底式的调查报道，引发激烈讨论。

　　“吐槽帝”吐槽的“毕加索-走进中国”展，在落地北京前，大部分作品曾在上海以“传奇-毕加索艺术大展”的形式与上海民众见面。在当时的展览宣传上，即已用到了“作品全为真迹”、“总价值10亿欧元”的字眼。北京站也是“迄今为止在北京展览数量最大、价值最高，同时也是时间跨度最长的毕加索精品原作展”的措辞。

　　如此重磅接力，听起来不免令人“心驰神往”。不过，当被封为“十年难得一遇”的大展褪去奢华、热闹的浮色后，露出的底色却不那么美妙。正如有参观者吐槽：除去记得花了一百元大洋，啥也没看到!

　　“百元门票的确有些贵，但还是想来感受一下大师原作，谁让他是世人皆知的毕加索呢。”参观者黄女士和几个同伴兴冲冲跑进北京某民营美术馆，欣赏“毕加索-走进中国”大展。

　　不过，近两个小时的观展经历并没有给她留下愉快的回忆。“说好的八十多件真迹，绝大部分都是版画和陶瓷，毕加索最有名的油画为什么只有区区三四件?”平日里就喜欢到798艺术区“流浪”的她直言，有种上当受骗的感觉。

　　“除了几张并不能代表其典型风格的油画，根本无法展现毕加索的艺术成就，更谈不上全面或局部了解他的艺术风格。说实话，我都不知道这个展览是怎么形成的。”某艺术评论家谈到。

　　同“父”同名，却不同命。左为毕加索晚年杰作《火枪手》，右为“毕加索-走进中国”展出的《火枪手》。两相对比，有网友调侃：画风差太远，后者被完虐。

　　大师热，谁的血统更纯正?

　　“疯狂达利艺术大展”现场

　　更值得玩味得还有，达利展还出现了“撞车”事件，2015年9月上海“疯狂达利艺术大展”开幕，紧随其后的11月份，上海某艺术中心“跨界大师-鬼才达利”超现实艺术大展也登场。而同在9月，另一场“达利的盛宴—超现实主义就在你身边”艺术展在南京开幕。三个展览都宣称自己的达利展品“血统纯正”。

　　还有2016年末上海某建材中心举办的“印象派大师德加展”，观众在这个号称有“30件德加代表性原作”的展览上，没有看到一幅德加的油画。

　　“印象派大师德加展”现场表演

　　这其中，被主办方认为德加展最大亮点《十四岁小舞女》铜像，在一些业内人士看来更像是一个笑话：“根据史料记载，这件铜像其实并非德加生前留下的遗作，他生前留下的是一件蜡质雕塑，是他的继承人出于商业考虑才将其翻制成了铜质。曾有学者尖锐地指出，从艺术的角度来看，如果将蜡质雕塑铸造成为铜质，德加在蜡质原作上所追求的特质在复制铜像中丧失了完整的信息，变成了另一件东西。蜡有一种脆弱性，有更接近肌肤的质感和肌肉的颜色，这些都是无法在铜像上复制出来的。铜质雕塑，因为存在着翻制问题，通常翻制数量在12件之内，且获得艺术家本人的确认，才能被认为是雕塑原作。但《十四岁的小舞者》这件铜像，目前全世界总共有27件之多。 ”

　　(聊到这儿，小编想加俩字：呵呵。)

　　“印象派大师德加展”现场《十四岁小舞女》铜像

　　“印象派大师德加展”现场

　　对于国内“大师展”扎堆的现状，一些独立策展人的观点看起来较为客观，认为目前的“大师热”只是阶段性现象：“随着中国经济实力不断增强，普通大众对艺术消费的需求会不断升级，对国际上顶级艺术藏品的借展将会成为国内各美术馆新的需求，也势必造成新一轮的策展比拼。但在不久的未来，相信国内大量的中高层次艺术观众更愿意走出国门，直接去藏品所在地的博物馆参观。”

　　而针对那些纯粹“消费”了大师们名号的“野路子”大师展，有业内人士也指出：“在媒介资讯相当发达的今天，这些缺乏真正价值的展览都瞒不过公众的双眼。”国内的“大师展”应该将探索的重点放在展览本身的艺术说服力和教育责任之上，重拾“大师展”之价值。

　　有的人认为：消费“大师”现象的出现是全球化背景下文化消费不断升级的必然阶段。然而面对“大师热”引发的乱象，许多人开始重新思考“艺术消费”的价值定位问题。

（文/程立雪）

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