巴黎玛索大街5号，是伊夫·圣·罗兰博物馆。博物馆新近入藏了一条“蒙德里安裙”，它由黑线切割成白色、灰色的色块。由于需要大量的修复工作，这条裙子尚未展出，然而它同系列的另一条由红色、黄色、蓝色组成色块的“蒙德里安裙”却是这个系列中最具标志性的一件，它的灵感来源于荷兰著名艺术家蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》。1965年，当法国服装设计师伊夫·圣·罗兰在时装秀场上展示了自己以蒙德里安绘画元素设计的裙子时，立刻引起当时时尚界的一场轰动——整个裙子仅用前后两片缝接而成，形状扁平，省道极少，用切割四块的黑线来调节比例，正如蒙德里安的作品一样，简洁、扁平、富有秩序。后来这些裙子理所应当地进入了时装史的殿堂，并且有了它专门的名字“蒙德里安裙”。

从某种程度上看，是伊夫·圣·罗兰的设计推动了蒙德里安在公众之间的名气，但从时尚到建筑再到家居，蒙德里安的作品就像一个万用法则，接纳了各行各业的产品——1917年，格里特·里特维尔德设计了一款红蓝椅；1924年，由格里特·里特维尔德设计的乌德勒支住宅，是建筑领域体现“风格派”艺术主张的代表；1949年，由美国伊姆斯夫妇设计的伊姆斯住宅，随处可见蒙德里安标志性的黑线条与三原色方格；2014年，马赛尔·万德斯在为荷兰品牌Moooi设计的一系列新产品中融入蒙德里安元素，为枯燥的家居环境带来情绪上的跳跃……在蒙德里安诞辰150年的今天，他的风格依然被人们以各种方式纪念。

作为风格派运动的幕后艺术家和非具象绘画的创始者之一，蒙德里安无疑是20世纪伟大的艺术家。在2022年蒙德里安诞辰150周年之际，包括荷兰海牙市立美术馆、瑞士贝耶勒基金会、杜塞尔多夫K 20博物馆、米兰MUDEC文化博物馆在内的欧洲多家艺术机构开展了以纪念蒙德里安为主题的展览，多角度地呈现其艺术上的成就。

爱马仕2020年秋冬秀场

方块的节奏

蒙德里安的作品频频被跨界领域借鉴，与他画面中严谨切割的色块不无关系，但更关键在于，他为自己的作品找来了音乐这个好“搭档”。

在他的“方格画”诞生之前，蒙德里安画了20多年的风景画，当他看过立体主义画家的作品后开始领悟到，立体主义基于事实去分析、克制的表达方式都是自己所追求的，然而蒙德里安的探索却不止于此。他在学习立体主义绘画风格的同时，尝试着用更抽象的方式来进行创作——那些看似最简单的几何图形就这样出现了。他以横纵交错的直线构成一个个色块，把自然以最原始的抽象形式去概括。蒙德里安崇尚直线的美，因为他能从线与线所形成的直角中静观万物内部的宁静。在画面中，蒙德里安努力探寻格子之间的比例与分割关系，设计格子的形状大小、色彩搭配，让画面在秩序与理性中表现得均衡且富有美感。无论格子是大或小、细或宽，蒙德里安使用了大量的黄金分割比例，让画面布局平衡，加上高饱和度原色的使用，又衍生出了变化无数的美感。

此外，对音乐的喜爱让蒙德里安琢磨音乐和造型的关系，逐渐地，他开始只用红、黄、蓝三原色，正如可以构成任何曲目的七个音阶。画中那些色块和线条也随着他对音乐的深入理解变得富有节奏和韵律，而这种样式像是给了时尚设计以“指引”和“公式”。

色块与时尚

自此，红、黄、蓝的色彩，富有节奏感的方块布局就这样成为蒙德里安的标志元素。在伊夫·圣·罗兰为英国芭蕾舞演员玛戈特·芳婷定制的一款“蒙德里安裙”中，即便是去掉“蒙德里安裙”里固有的蓝、黄或红的色块，只是将裙身以纵横交错的黑色条纹分割成四方形，还是能让人一眼认出它是来自蒙德里安的灵感。而此后的1983年，纽约大都会博物馆为伊夫·圣·罗兰举办了回顾展，策展人戴安娜·佛里兰将一系列“蒙德里安裙”穿在平面的人形台上进行展示，以突出这款A字裙设计中主张的平面感。这些裙子的配色不是染织而成，而是直接由针织面料织成色块，因此不同颜色面料交界处的针脚显得非常细致，过渡自然，几乎看不到拼接痕迹。

自“蒙德里安裙”打开了时尚的另一种可能性后，许多品牌相继推出以蒙德里安作品为灵感的设计，每隔几年就会陆续涌现蒙德里安风格的追随者，他们以多样面貌再次拓展了色块与方格在时尚设计中的可能性。红、黄、蓝、白形成的方形色块在黑线的切割下千变万化，成为时尚经典，设计师在轮番向四种色彩致敬的同时，也不断地在原来的精髓上加以创造。

在普拉达2011年秋冬秀场上，蒙德里安的方格元素在成衣设计中被拓展——饱和度在三原色基础上有所降低，以低饱和、同色系构成方格，辅以鲜艳的配饰或细节设计，加强整体成衣的“构成感”。同年的思琳在外套设计上也采纳了蒙德里安的绘画元素，即在肩线、衣领、下摆、袖口等转折处以粗黑线条作切割，强调服装整体利落的结构，而类似的设计也在蔻依的几款大衣中有所体现。与1965年“蒙德里安裙”遵循艺术家原有的严谨、理性不同，蔻依在2011年秋冬推出几款以蒙德里安色块元素设计的大披肩，巨大整齐的三原色块随着模特走动飘舞，在理性的基础上增添了不一样的跳跃。

此后的几年里，蒙德里安元素开始越来越受到时尚界的青睐。2013年春夏，蒙德里安的经典方格开始被设计师们重新排列、组合，并加以更多的配色让成衣既时尚又好穿。特别在配饰上，香奈儿、芬迪都相继推出蒙德里安色彩的包袋。一向以精美剪裁、奢华细节著名的华伦天奴也在2014年的秋冬秀场上展示了蒙德里安的方格元素。当半裙、风衣、连衣裙被黑线分割成等大的正方形时，人们不禁又有了似曾相识的感觉，仿佛是“低饱和度”版本的蒙德里安再现，少了明艳与活泼，却增加了稳重与优雅。在蒙德里安的启发下，设计师们也在拼接设计的道路上越走越顺。

到了2020年，爱马仕的秋冬秀场再一次把蒙德里安的“极致原色”带回公众视野。设计师范内·齐布尔斯基用经典三原色的设计，再次诠释蒙德里安绘画中的“红黄蓝”。在这一系列中，真丝半身裙和连衣裙的裙褶中饰有线性图案，长条形的色彩以不同比例进行搭配组合，活跃且跳动，像钢琴的琴键，也像蒙德里安在《百老汇爵士乐》中描绘的一样，富有韵律的欢快。另一件落肩针织衫以红色做大身，两袖和领口分别为黄色、蓝色和黑色，高度还原蒙德里安的精神。此外，爱马仕在白色的秀场里放有许多色块相间的圆柱，似马术障碍赛的横杆，模特们从中穿行而过，如同穿梭在蒙德里安的绘画世界，形成迷幻又前卫的未来主义风格。

华伦天奴2014年秋冬秀场

流行的密码

为何蒙德里安在时尚界如此受到欢迎？蒙德里安曾说：“绘画的根本，是以色彩和线条将宇宙万物提炼为可感知的造型。”某种程度上看，他的主张与时尚的理念不谋而合。时尚设计源泉同样来自于自然和社会生活，每一年的流行元素反映的是当下时段社会的突出观念，并对此作出提炼。此外，蒙德里安作品中类似黑线的切割，在成衣设计上容易找到相应契合点——可以被用来调整比例、布局色彩，同时协调好整体色调。

创作中的蒙德里安希望自己的艺术简单至极、纯粹干净、品格高尚、坚不可摧。他用一生的时间，将复杂的世界不断地提纯、净化，用艺术的思考呈现出事物内部的秩序与纯粹的精神。无论是他在风格派时期用纯粹的三原色、笔直的黑线切割出直线、平面等元素，创作出简化到极致的几何抽象艺术，还是他脱离风格派后，作品由冷静转为热闹，并伴随黑色的消失，画面出现丰富而精彩的节奏。蒙德里安关心自然与美学表达的关系，不仅是关心美学，也在努力更新生活与艺术的联系。如此大框架下产生的艺术自然可以容纳多样的风格和可能性，从而产生许多变化，这种特点给各品牌的设计师留有相当大的发挥空间。

“少即是多”的观念使得蒙德里安的艺术更容易被更多人接纳，他希望自己的艺术能以所有人都能理解的“和谐统一”战胜“个体至高无上”的观念，这种倾向于大众的意识，也是蒙德里安元素能被多数人理解、接纳，不断演变流行的原因之一。

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